EN EL MUNDO DE LAS LETRAS, LA PALABRA, LAS IDEAS Y LOS IDEALES
REVISTA LATINOAMERICANA DE ENSAYO FUNDADA EN SANTIAGO DE CHILE EN 1997 | AÑO XXVIII

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Picasso: Una visión geométrica de la realidad

por Alfredo Fredericksen
Artículo publicado el 09/01/2022

“Ustedes esperan que yo les diga qué es arte.
Si lo supiera, no se lo diría a nadie.”
Pablo Picasso

“Lo digo con orgullo, nunca he considerado la pintura como un arte destinado a distraer o divertir. Con el dibujo y el color como armas, he intentado profundizar en el conocimiento del mundo y del ser humano a fin de que este conocimiento nos dé a todos una libertad cada vez mayor … Si considero que con mi pintura he luchado como un verdadero revolucionario …”
Pablo Picasso

I. Presentación
Pierre Francastel dice que: “(…) al destruir la fotografía toda función utilitaria de la pintura, éste tiende, cada vez más, a considerarse como dominada por una necesidad no ya informativa, sino reflexiva. De este modo, el arte tiende, a convertirse en una forma de expresión fundamental del pensamiento, antes que en un vehículo de información y propaganda.”[1]. Es precisamente como instrumento de conocimiento vinculado a nuevas formas de vida, lejos de la pintura literaria y de la aspiración del arte por el arte, que se desarrolló históricamente el movimiento que ahora abordaremos: el Cubismo.

Un movimiento cuya importancia radica en que el pintor cubista, logra una personificación extraordinaria del objeto, trabajándolo desde múltiples perspectivas y por tanto, proponiendo una visión más geométrica de la realidad, descomponiendo el objeto y ocupando la múltiple perspectiva bajo una permanente construcción/deconstrucción del objeto. Asimismo, se trabajó con el modelado del color y la superficie de éste en capas. El Cubismo sustituyó la visión de estudio del taller por la imagen, respondiendo, quizás no tan sensiblemente como hacía Cézanne en su obra, pero sí usa el arte como una arma que responde a lo que sucede en un determinado contexto, tal fue el caso de Picasso con “Guérnica”. Pero, ¿seremos capaces de entender este nuevo arte?, ¿es correcto intentar buscar siempre el sentido a la obra de arte?, esas son preguntas que el lector del informe debe responder en su fuero interno.

El objetivo de la presente investigación es llevar a cabo una valoración del cuadro “Guérnica” del pintor cubista Pablo Picasso. Se pretende rescatar la importancia que tuvo el cuadro en la creación de una conciencia colectiva, sus elementos principales como la caoticidad, etc. Además, se apreciará el rol que tuvo parte de la prensa al respecto.

Mi trabajo se inicia analizando en primer lugar, el contexto histórico, las características y representantes del movimiento cubista, como tema principal en la obra de Pablo Picasso: “Guérnica”, enfatizando sobre la descripción de ella como una de las obras principales más convertidas y perpetuada históricamente en la conciencia colectiva y se valorará la importancia que tuvo otra de sus obras “Las señoritas de Avignon”, además se mencionan los aportes del Cubismo como movimiento y a nivel pictórico, para dar paso a las conclusiones.

“Yo detesto a la gente que habla de lo bello”
Pablo Picasso.

A principios del siglo XX surgen en forma simultánea y en constante interrelación las llamadas vanguardias o “ismos” artísticos, que rompen con los lenguajes tradicionales paralelamente a la ruptura con las antiguas formas de vida. El siglo XX es un siglo de catástrofes, de incertidumbre y de crisis donde se cuestiona la naturaleza del ser humano para llegar a establecer valores universales, además hay una serie de hechos que lo marcan profundamente: el surgimiento de la fotografía, el cine, las grandes guerras, etc. Fue así como surgió el Cubismo.

Entre las características más relevantes del Cubismo destacan: la geometrización de la realidad y, por tanto, su abstracción geométrica, donde se construye a partir de objetos irracionales y se deconstruye la imagen en distintos planos, también la gran preocupación por las formas puras (cono, esfera y cilindro) y las nuevas temáticas que debería adquirir el arte. Picasso como inaugurador a este movimiento, según Ingo Walther, señaló al respecto que:

Yo detesto a la gente que habla de lo “bello”. ¿Qué es lo bello? ¡En la pintura hay que hablar de problemas! Los cuadros no son otra cosa que investigación y experimento. Nunca pinto una “obra de arte”. Todos mis cuadros son investigaciones. Yo investigo constantemente, y en toda esta continua búsqueda hay un desarrollo lógico. Por eso numero y fecho los cuadros. Quizás algún día alguien me lo agradezca. Pintar es cosa de la inteligencia. Se ve en la obra de Manet. En cada una de sus pinceladas se puede ver su inteligencia. Esta inteligencia se aprecia claramente en una película hecha sobre Matisse, en la que éste aparece dibujando, vacilando, y luego comenzando a expresar su pensamiento con trazo seguro[2].

De este modo, un autor como Jorge Romero Brest ahonda (…), señalando en sus propias palabras que éste movimiento: “[…] se manifiesta bajo la forma de una presencia que excluye tanto al hombre como al mundo, de donde se desprende su importancia, siendo como es, más que nada, la actitud que lo realiza un método para la indagación de la realidad.”[3].Y continúa diciendo Jorge Romero Brest que: “[…] lo esencial de la actitud cubista reside en la búsqueda de lo inefable, de lo que ni siquiera transcurre porque siempre es”[4].

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son: Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino. Por ello, el Cubismo según los historiadores se suele subdividir en tres etapas: la primera de ellas corresponde el Cubismo Analítico (el artista plantea en la composición un análisis tanto en la estructura del cuadro como en los planos de color y tiende a la desintegración de las formas, que debe ser reconstruida por nosotros), en segundo lugar el Cubismo Hermético (se caracteriza porque en la composición la línea es cerrada y ésta construye la figura) y finalmente, el Cubismo Sintético (que apunta a la síntesis de la composición pictórica, donde el pintor juega con elementos esenciales para construir la composición del cuadro).

III

“¿Qué creen que es un artista?”
Pablo Picasso

“Hay que matar el arte moderno. Esto quiere decir que uno tiene que matarse a sí mismo si quiere continuar haciendo algo”.
Pablo Picasso

“En todos los objetos y acciones se quiere encontrar un sentido. Es una enfermedad de nuestro tiempo que, a pesar de hacer él mismo muchas cosas sin sentido, sin embargo, se cree más sensato que cualquier otro tiempo.”
Pablo Picasso

“El arte es una mentira”
Pablo Picasso

Pablo Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en la plaza de la Merced de Málaga. Fue hijo primogénito de don José Ruiz Blasco (1838-1913) y doña María Picasso López (1855-1939). Su padre, pintor y profesor de la Escuela de Artes y Oficios de San Telmo, es del norte y su madre es andaluza. Entre las obras destacadas que se procederá a describir están: “Guérnica” (1937) y “Las Señoritas de Avignon” (1907).

Fuente: Guernica (cuadro) – Wikipedia, la enciclopedia libre, última visita: 23-11-22

El cuadro “Guérnica” es una obra de arte que surge a raíz de la guerra civil española y, al observarla someramente en un principio, tiende a confundirnos, pero si le prestamos la atención debida y la vemos por separado, entenderemos que con este caos se pretende ocasionar un determinado efecto en su observador: dar de convulsiones que denotan sufrimiento y agonía, conmoviéndonos por la situación en particular e identificando en nosotros mismos lo poco civilizados que podemos llegar a ser por la conservación del poder como un medio de dominación hacia otros pueblos, sin importar lo que ello implique. Ahora bien, con este cuadro Picasso hace presente su crítica a guerra y perpetúa esta imagen para la posteridad. Esto conlleva no solo a nunca olvidar un hecho tan terrible, sino también a aprender de los errores cometidos. Pero, a pesar del carácter abrumador del hecho, es criticable la postura que asumió la prensa en ese momento, Ingo Walther nos cuenta que el 27 de abril de 1937 el periódico londinense “Times” ofreció un frío y distanciado reportaje sobre el Bombardeo en Guérnica, señalando que:

Ayer por la tarde, Guérnica, la ciudad más antigua de las provincias vascas, fue totalmente destruido por un ataque aéreo de los rebeldes. El bombardeo de la ciudad, situada lejos del frente y sin defensa aérea, duró exactamente tres cuartos de hora. Durante este tiempo una numerosa escuadra de aviones de origen alemán- bombarderos de Junkers y Heinkel así como cazas Heinkel-arrojó ininterrumpidamente bombas de hasta 500 kilos. Al mismo tiempo los cazas, volando a baja altura, ametrallaron a los habitantes que salían huyendo hacia las afueras de la ciudad. En pocos momentos toda Guérnica quedo envuelta en llamas[5].

Picasso, reaccionaría a este comentario y no lo dejaría pasar indiferentemente, ya que, según Ingo Walther, a través de la plasmación de un suceso histórico particular convertiría a su obra en acontecimiento del siglo, pero también incorporará sus propias experiencias a los hechos ocurridos en este campo fascista, porque no es la actualidad histórica lo que le da validez al cuadro sino la eternidad del sufrimiento[6]. Ahora bien, centrándonos en los aspectos de “Guérnica” propiamente tal, es posible señalar que en el centro de la composición encontramos a la figura de un caballo y todas casi todas las miradas parecen centrarse hacia el lado izquierdo, donde una madre llora por su hija o donde hay un cadáver. Pero, no todas las miradas se centran hacia ellos, es posible identificar en los extremos del cuadro, tanto a la mujer que sostiene a su hijo, como al hombre con las manos en alto, con la mirada hacia el cielo, tal vez un simbolismo del horror de cuándo terminará el bombardeo que cae desde el cielo, reflejando así, el estado anímico de un pueblo devastado por la guerra. También es digno de apreciar en este cuadro el uso predominante de colores negros y blancos, pero es más significativo interpretativamente hablando el uso del blanco, que emana realmente del lado izquierdo, a pesar de que se alumbra el derecho, lo que podría llevar a pensar que aquel dolor no deba volver a acaecer.

En definitiva, señala Ingo Walther que el cuadro “Guérnica” de Picasso: “[…] es un cuadro de un acontecimiento histórico representado en la forma que su época le permitió: el testimonio se sustituye por el sentimiento subjetivo de consternación que invadió al artista. Más que describir el hecho histórico en sí, el cuadro describe el efecto que éste tuvo en la psique de Picasso”[7]. Y resulta curioso entonces, que podamos apreciar en él, la caoticidad como un elemento distintivo que no siempre nos permita definir y apreciar claramente, por ejemplo, las figuras que subyacen al medio del cuadro y que se confunden con fuente de emanación de luz y también, por la tridimensionalidad que poseen las figuras, donde también resulta poco claro apreciar cuál de todas las figuras está dotada de esta última característica. Cuando Picasso señaló en su poesía “Sueño y mentira de Franco”, podemos apreciar claramente que éste vivió la situación bajo gran caoticidad, y por tanto, que la plasmó como él mismo tuvo tal experiencia, además, tal poesía fue cuando Picasso se refirió por primera vez a la guerra civil: a la lucha entre republicanos y fascistas y en el demostró una clara conciencia en pro de la colectividad. Según Ingo Walther, la parte final de su poesía señala que:

Gritos de niños, gritos de mujeres, gritos de pájaros, gritos de flores, gritos de árboles y de piedras, gritos de ladrillos, de muebles, de camas, de sillas, de cortinas, de cazuelas, de gatos y de papeles, gritos de olores que se arañan, gritos de humo, de los gritos que cuecen en el caldero y de la lluvia de pájaros que inunda el mar que roe el hueso y se rompe los dientes mordiendo el algodón[8].

“Guérnica”, nos proyecta un sinfín de imágenes y anécdotas, pero también llama la atención la inclusión de no solo personas que sufren, sino también de animales como el toro (hacia el lado izquierdo) y el caballo (ubicado al centro de la composición). Y de las salidas de caras, similares a un fantasma que sale desde arriba o la persona que camina debajo de este “fantasma” y se arrastra con una pierna firme por el dolor. Ingo Walther pone en relieve esta idea señalando que en “Guérnica”: “El gesto de dolor y miedo triunfan aquí como la representación de la parte negativa de la vida humana. La creación artística picassiana conserva, en este sentido, una cierta tendencia hacia lo mítico, hacia la acentuación de lo intemporal, rechazando el reportaje bombástico”[9]. De hecho, el mismo Picasso nos cuenta que hechos como el sucedido en “Guérnica” no deben obviarse, porque sino sería un crimen y rescata el papel que tiene el pintor en la sociedad, respecto a ser un crítico de ella. Ingo Walther, nos cuenta que Picasso dijo:

¿Qué creen ustedes que es un artista? Un imbécil que sólo tiene ojos para pintar si es pintor, que sólo tiene oídos si es músico, que sólo tiene una lira para expresar todos sus sentimientos si es poeta o que sólo tiene músculos si es campesino? Ni muchísimo menos. El artista es un ser político que vive pendiente y consciente de todos los acontecimientos-desoladores, de actualidad o placenteros- que ocurren el mundo y reacciona ante ellos. ¿Cómo es posible no interesarse por otras personas, subir una torre de marfil y aislarse de una vida que aporta tantas cosas buenas? No, la pintura no existe sólo para decorar las paredes de las casas. Es un arma que sirve para atacar al enemigo y para defenderse de él[10].

Ahora bien, quisiera comentar brevemente otra obra importante del Cubismo y que resulta ser de suma trascendencia para el movimiento, me refiero a “Las Señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, tras el paso del “período azul” y el “período rosa” de éste. En esa época Picasso transforma la forma de representar a las obras de arte y la forma en que se percibe a sí mismo. Picasso deja muchas veces las obras sin terminar. Según Ingo Walther, la manera en que se manifiesta como trabaja Picasso es: “(…) primero dibuja[ndo] los contornos con trazos muy rápidos, después rellena las superficies con colores chillones y finalmente marca otra vez los contornos angulosos con negro. El cuerpo y la cabeza se descomponen en planos quebrados.”[11]. Pero para la construcción de las del cuadro Las “Señoritas de Avignon” Picasso toma el desnudo del cuadro de Jean Dominique Ingres, de su obra “El baño turco”, según Ingo Walther[12]. En el cuadro “Las Señoritas de Avignon” apreciamos a cinco mujeres que destacan por el uso de colores cálidos y que se nos muestran bajo múltiples ángulos, logrando este efecto a través de la geometrización. Ingo Walther, refuerza esta idea señalando que:

Cada figura está compuesta de elementos completamente diferentes. Pero también las figuras entre sí obedecen una vez más a principios de formación opuestos. Sin embargo, todas tienen en común una geometrización radical. Esta geometrización, por una parte, impone su propia ley a las proporciones naturales deformando los cuerpos a su capricho, y por otra parte, hace que las figuras se fusionen con el fondo segmentado; el espacio parece estar comprimido. Además, la ausencia de modelado del cuerpo por medio de luz y sombra y la combinación de varios ángulos visuales contribuyen a la poca claridad del espacio.[13].

Fuente: Las señoritas de Avignon: análisis y características del cuadro de Picasso – Cultura Genial, última visita: 23-11-22.

Pues bien, esta geometrización actúa como un elemento que genera distinciones belleza/fealdad de las mismas figuras dentro del cuadro, es decir, no son homogéneas todas las mujeres en términos de sus características al interior de la composición, ya que incluso, desde el ámbito de algunas con poses provocativas, existen otras deformes, y esta misma deformidad se exalta a través del geometrismo, ya que vemos codos puntiagudos y masas de carnes donde está encajada la cabeza. Esto mismo, se aprecia en los colores que el Picasso coloca a los rostros deformados: negros y azules. Así, Ingo Walther describe que:

En la figura situada en el primer plano a la derecha ni siquiera se puede reconstruir la posición exacta del brazo apoyado. La cabeza y el cuerpo están facturados de forma totalmente diferentes, se ven al mismo tiempo la cara y la espalda, los ojos y la parte de la boca contradicen todas las leyes naturales. Detrás de ella otra mujer entra en la habitación descorriendo la cortina azul hacia un lado. Su cabeza está deformada como si fuera un hocico de perro, el rostro está dividido por un rayado verderojo y el cuerpo está cortado en pedazos que no se acoplan entre sí. Finalmente, la quinta mujer, a la izquierda del cuadro, no tiene movimiento, su cara parece una máscara petrificada[14].

Así, la geometrización no solo exalta la diferencia fealdad/belleza, sino también resulta un elemento que dificulta el concepto de espacio al interior del cuadro y que se propicia por la poca claridad en el espacio, además las figuras en sí de la composición son poco reconocibles, así lo reafirma el propio Picasso, quien dijo según Ingo Walther: “En “Les Demoiselles d’Avignon” pinté una nariz de perfil en una cara de frente. Tuve que colocarla “atravesada” para hacer reconocible. A continuación se habló en seguida de arte negro. ¿Ha visto usted alguna escultura negra, solamente una, que tenga nariz de perfil en una máscara de frente?.”[15], pero su influencia fueron las máscaras. Ahora bien, la importancia de este cuadro es que permitió el paso de lo tridimensional a lo bidimensional y produjo un quiebre en los motivos del espacio y tiempo, donde detrás de la pérdida de la perspectiva, existe una intencionalidad, en donde se encuentra la deconstrucción de la imagen. Esto último, porque se coloca a la persona bajo distintas situaciones, pues habría una ruptura de los cánones clásicos de la belleza femenina y es el primer gran cuadro que junto con inaugurar el Cubismo, marca el inicio del arte contemporáneo.

Pues bien, es posible hacer una transición entre el “Guérnica” y las “Señoritas de Avignon” mediante el uso de recurso del interés de Picasso por la realidad social, en el sentido en que el artista es un ser político que vive pendiente y consciente de todos los acontecimientos-desoladores, de actualidad o placenteros- que ocurren el mundo y reacciona ante ellos. “Las Señoritas de Avignon” fue inspirado en una escena de burdel (las modelos son prostitutas), lo que habla de que Picasso quería, de alguna manera poner a su obra el contacto con la realidad y desbancar así el compromiso de su arte con meros «ideales estéticos». El quería un arte comprometido con «todos los acontecimientos -desoladores, de actualidad o placenteros- que ocurren en el mundo». Es así, como nos remontamos con las “Señoritas de Avignon” como una obra «pionera del cubismo», muy anterior a “Guérnica”.

“Hago desaparecer los antiguos cánones de belleza y fealdad”
Pablo Picasso

Como tradición pictórica, Picasso aporta la destrucción del mito de belleza femenina, por ejemplo en “Las Señoritas de Avignon”, revelándose contra la imagen que se había tenido hasta entonces de él como pintor, y particularmente con este cuadro se revela contra todo el Arte occidental desde el Renacimiento, ya que parte estilizando las proporciones y formas naturales, a la rigurosa geometrización y finalmente las deforma de manera radical. Con “Guérnica”, nos aporta que el artista debe ser un crítico de su época y debe retratar lo que vive. Su obra rompe el frutero de Cézanne y se sigue girando en torno al objeto, señalando el misterio del mundo se encuentra en las cosas, en la distinción entre el objeto y la imagen. De modo que, facilita la inducción de los artistas a la idea de espacio dinámico. Se produce la destrucción del objeto con miras a un significado simbólico e histórico determinado, proponiendo una mirada positiva del universo y no conceptual. El centro de gravedad de esto es que el Cubismo y en especial, la obra de Picasso, exploró una nueva manera de concebir y representar el espacio “dinámico”, que logra distanciarse del esquema de la perspectiva que había dominado la representación pictórica durante 400 años, es decir, desde el Renacimiento. En lo que el Cubismo es heredero de Cézanne es justamente en eso: en presentar una nueva manera de representar el espacio, con una dinámica de planos que ocurre en el nivel bidimensional como apreciamos en las “Señoritas de Avignon” y no postulando la «ilusión de profundidad» como lo hace el esquema de la perspectiva geométrica, que justamente concibe a los objetos en su tridimensionalidad.

Por otro lado, como movimiento Picasso aporta la noción de la imagen en sustitución del estudio, o más exactamente en dar consistencia a la representación visual, pero para ser más preciso, el Cubismo picassiano puso su empeño en cada conjunto, luego a cada plano y luego a la forma. Pero este doble sentido, obliga a exaltar los volúmenes, desmenuza las superficies, trastoca la parte geométrica en el análisis objetivo del mundo real; en ningún caso anula la sensación directa con la naturaleza. Lo que hace desaparecer son los antiguos cánones de belleza y fealdad, así como el interés por los usos y significados corrientes, pero no la referencia al mundo exterior. Picasso logró, aportar al movimiento Cubista en un primer momento de su pintura, una personificación extraordinaria del objeto, demostrando que el mismo no carece de una visión sentimental. Además, el movimiento Cubista aporta la idea de que la historia del arte debe ser penetrada por un elevado humanismo; evidente en cualquiera de las variadas y complejas manifestaciones que nos legó este genial maestro. Este es un humanismo contemporáneo y eterno que se atuvo siempre al principio de la verdad. Principio único y universal de Picasso como ser humano y pintor. En la obra se Picasso se trasluce no solo el reflejo de las tendencias de vanguardia de la intelectualidad artística más avanzada del período pre revolucionario, sino también -e indudablemente ligados a esta tendencias- los primeros síntomas de un humanismo de nuevo tipo. Humanismo enraizado en los postulados de las tradiciones culturales rusas; según las cuales es el arte, precisamente quien debe responder a las exigencias éticas.

Referencias Finales
El Cubismo, al igual que todos los grandes estilos, es el resultado consciente de una actividad creadora que escoge entre los modos de emoción del artista, aquellos que le parecen privilegiados y capaces de una adecuada expresión. Pero, el Cubismo en relación al Impresionismo de Cézanne es mucho menos sensible, porque en la obra de Cézanne se centra en las emociones globales del artista ante la naturaleza, únicamente centrado en el objeto. En definitiva, el Cubismo rompió el frutero de Cézanne, pero el experimento sigue en torno al frutero, lo que es constituye una limitación y una grandeza. Se geometriza la realidad y se sistematiza, ya sea en la extensión como las cosas y se rescata la capacidad del Cubismo para evocar aspectos intelectualizados de la naturaleza. Se destruye el esquema del elemento figurativo que sitúa al objeto en sus relaciones con el medio circundante y con determinados usos corrientes, pero el Cubismo no niega el valor del objeto, sino que más bien, destruye la figuración del objeto con miras a un significado simbólico e histórico determinado. El propósito del Cubismo es ofrecer una mirada conceptual, no una visión espiritual, sino positiva del universo. Considera que el misterio del mundo se encuentra en las cosas, distinguiendo que entre el objeto y su imagen (que es una realidad interna). Además, el Cubismo introduce las especulaciones abstractas, pero a éste no se le debe atribuir la expresión “intelectualizada” de un mundo incorpóreo. El Cubismo, indujo a los artistas a concebir la idea de un espacio dinámico. El Cubismo propiamente dicho, posee unidad, a pesar de los matices temperamentales, ya que no se trata de una obra en común, sino de una tendencia adoptada en principio, a partir de la cual cada uno, como en el Impresionismo, creó su personalidad manifiesta.

Es así, como destaca la figura de Picasso, quien en un principio fue un pintor que se buscaba a sí mismo y tanteaba su camino propio en el arte, donde, poco a poco se irá convirtiendo en descubridor y pionero de lo desconocido, en uno de los renovadores del lenguaje creativo de las artes plásticas modernas y cuya obra pasó por diferentes etapas, pero no cabe duda de que Picasso fue el genio del siglo, ya que no solo fue revolucionario y realizó continuas innovaciones en su obra de arte, sino que su obra rompe con las tradiciones convencionales y añade a ellas un carisma personal que cautiva y fascina tanto a críticos como a admiradores.

Picasso se perfila así, como el gran artista del siglo XX, y que rompe el paso de la figuración a la abstracción y el Cubismo llegó a ser con él la primera gran vanguardia junto con el Fauvismo, cuya preocupación de éste último residirá en el tratamiento de la emoción expresada en el color, la espontaneidad del dibujo y la composición, usando colores generalmente (aunque no exclusivamente) puros y saturados, ya que la idea es más bien el uso de una estrategia cromática expresionista. No descomponen físicamente el color como regla general: lo seleccionan y combinan a través de la yuxtaposición de campos cromáticos saturados con el fin de conseguir un efecto óptico de alta expresividad, lo que en muchos casos significa pervertir el color natural del modelo. Es de este modo que se abren nuevos caminos estéticos.

Alfredo Fredericksen

Referencias Bibliográficas
– Francastel, P. (1970). Historia de la Pintura Francesa. España, Madrid: Ed. Alianza, 541 p.
– Romero, J. (1961). ¿Qué es el cubismo?. Argentina, Buenos Aires: Ed. Columbia, 63 p.
– Walther, I. (1999). Pablo Picasso. Alemania, Köln: Ed. Benedik Taschen, 96 p.

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